There Will Be Blood è un libero adattamento di Oil (1927) di Upton Sinclair, satira politica che narra le vicende di un magnate petroliere alle prese con la corruzione dei politici per ottenere lotti di terra californiana. Del romanzo di Sinclair, Anderson ha estratto solamente le prime 150 pagine per sviluppare la sua sceneggiatura. 

Daniel è un cercatore d’oro che, durante uno scavo solitario, si imbatte in una roccia diversa da ciò che cercava, una roccia scura che cambierà per sempre la sua vita. Attraverso l’arma della persuasione Daniel edifica un piccolo villaggio per far fronte alle sue necessità imprenditoriali e promette cibo e acqua a tutti coloro che lavoreranno nei suoi pozzi petroliferi.
La visione romantica dei pionieri, che esplorano terre sconosciute in cerca di fortuna, si tramuta in un affresco storico inquietante dove regna soltanto l’avidità degli esseri umani. Il film racconta lo spirito di frontiera dominato dall’inesauribile ricerca di ricchezza attraverso lo sfruttamento dei giacimenti petroliferi nelle terre del west. There Will Be Blood è il film sull’età dell’oro, oramai divenuto nero, un’allegoria del cambiamento che hanno subito gli Stati Uniti fra l’Ottocento e il Novecento, quando sono diventati una superpotenza industriale. Una fase che ha cambiato in modo indelebile non solo la storia americana, ma quella mondiale, perché ha permesso agli Stati Uniti di diventare, in pochi anni, la prima potenza economica. Anderson ha messo in scena la sua visione di chi siano stati questi pionieri divenuti poi dei magnati, e di che ruolo abbia avuto l’unica istituzione allora presente in quei territori così isolati: la Chiesa. Per ottenere ciò di cui necessita Daniel è costretto a corrompere l’unica figura che possa in qualche modo ostacolarlo: Eli, un giovane prete evangelico con il quale instaura un rapporto di sottomissione e continui giochi di potere. Nel film vediamo Daniel scavare nella terra cosí a fondo da fondersi metaforicamente con essa, tanto da addormentarsi più volte sul pavimento. Un’immagine particolarmente evocativa: dopo aver trivellato il suolo e installato un rudimentale pozzo petrolifero, un operaio benedice il figlio con il petrolio. Si tratta di una sequenza rapida ma iconica, la traduzione in immagine di ciò che era l’America in quel momento: una nazione giovane, battezzata da questo elemento naturale che la segnerà per il resto della sua storia.  

Sul piano drammaturgico la particolarità di There Will Be Blood è quella di non essere affatto un biopic tradizionale. Vediamo soltanto alcune fasi della lunga vita di Daniel, sempre segnate dalla dualità con il prete Eli, un personaggio dal ruolo ambiguo e difficile da inquadrare in una dimensione drammaturgica classica (eroe e antagonista). Questa relazione contorta e violenta tra il protagonista e questa figura religiosa ha fatto maturare una grande curiosità per il film successivo di Anderson, The Master (2012), incentrato sulla controversa figura del fondatore di Scientology: Ron Hubbard. 

Quando il film è stato presentato al festival di Venezia del 2012, tutti si aspettavano da Anderson un racconto critico e blasfemo sull’universo di Scientology. Lancaster Dod, il personaggio interpretato da Philip Seymour Hoffman e ispirato alla figura di Hubbard, è invece mosso da un sincero desiderio di estirpare i mali esistenziali che lo tormentano con il fine di diffondere un metodo che possa funzionare anche per le altre persone. La sua teoria è che il male che attanaglia l’esistenza di ognuno di noi è il frutto dei limiti che noi stessi ci poniamo. Ma Lancaster non è nemmeno così sicuro del verbo che sta diffondendo, tanto da sperimentare invano e ossessivamente diverse metodologie per ottenere dei riscontri scientifici. Il suo cammino si incrocia con quello di Freddie, un militare congedato dalla guerra di Corea con gravi problemi di alcolismo e difficoltà a controllare la rabbia. Tra Lancaster e Freddie si instaura un rapporto dai caratteri universali e archetipici: la ragione contro l’istinto. The Master racconta l’eterna volontà dell’uomo di scontrarsi con un padrone che, seppure in buona fede, è costretto a imporre delle regole per stabilire un ordine. Freddie però si ribella alle regole del suo maestro e fugge nel deserto in sella alla motocicletta di Lancaster.

La complessità polifonica delle opere di Pynchon (che ha fatto da apripista al movimento letterario postmoderno), ha rappresentato da sempre una sfida per i registi di Hollywood che non sono mai riusciti ad adattare un suo romanzo. P.T. Anderson stava lavorando all’adattamento di Vineland, pubblicato nel 1990, ma alla pubblicazione di Inherent Vice nel 2009 Anderson decise di adattare questo noir ambientato nella psichedelica Los Angeles del 1970. 

Doc Sportello è un investigatore privato che viene assunto per lavorare a una serie di intricati casi apparentemente collegati fra loro e nei quali è coinvolta la sua ex fidanzata Shasta, femme fatale di cui Doc è ancora irrimediabilmente innamorato. Inherent Vice racconta la disillusione della generazione dei figli dei fiori, ma lo sguardo non è lucido e critico come quello che Antonioni ha avuto con Zabriskie Point. Al contrario, il film di Anderson guarda con malinconia a quell’epoca (forse perchè non l’ha mai vissuta) e a quell’utopia rivelatasi fallimentare che è stata la controcultura.
La complessa struttura narrativa del film, e i numerosi elementi di disturbo, le continue coincidenze o situazioni grottesche, sono interferenze escogitate per ricreare lo sguardo soggettivo di Sportello, perennemente sballato per i numerosi spinelli che fuma. L’esperienza può essere paragonata al  vedere un classico noir come The Big Sleep da strafatti. Nel cercare di spiegare razionalmente Inherent Vice si rischia di far perdere quel senso di smarrimento che procura il film alla prima visione. Ed è proprio il titolo del film, il cui significato ci viene rivelato a metà dell’opera, che svela la condizione umana in cui si trova Doc. Sarà Sortilege, la misteriosa voce narrante del film, a rivelare: “Inherent Vice, nelle polizze assicurative marittime, è tutto ciò che non si può prevedere. Uova che si rompono, cioccolata che si scioglie, bicchieri che si spaccano.” Il vizio di forma è l’indice della possibilità che ogni oggetto possiede di deteriorarsi a causa dell’instabilità dei componenti che ne fanno parte, e non per cause esterne. 

Il titolo del libro potrebbe essere una metafora dell’intera generazione degli hippie, una cultura che è finita per deteriorarsi dal suo interno, con le stesse armi da loro vendute come il nettare per aprire le porte della percezione: le droghe. I protagonisti cercano ingenuamente di sfruttare delle buone correnti karmiche, ma sembrano confusi e incapaci di spiegare le vele al momento giusto. Inherent Vice è forse il film più politico di Anderson, un’odissea all’interno di un'epoca. È solo in apparenza un film che rimpiange la controcultura, perché scava al suo interno e ne rivela pregi e difetti, fino a rappresentare la sconfitta definitiva leggibile nelle parole di Sortilege: “Eppure non c’è modo di evitare il tempo. Il mare del tempo. Il mare del ricordo e della dimenticanza. Gli anni delle promesse andate e ormai irrecuperabili. Della terra a cui è stato concesso di rivendicare un destino migliore per poi vedere quella rivendicazione ignorata da noti malfattori e invece presa e tenuta in ostaggio da un futuro in cui dobbiamo vivere per sempre. Speriamo che questa nave benedetta sia in rotta verso lidi migliori. Risorta e redenta. Dove il fato dell’America per fortuna non è riuscito a trapelare.“

Anderson ha dichiarato di aver cominciato a vedere film porno fin da quando andava alle scuole elementari, quando scoprì nel seminterrato di casa la “cineteca” a luci rosse appartenente al padre. All’età di diciotto anni realizza un mockumentary sulla vita di un attore a luci rosse. Otto anni dopo, quel lavoro verrà trasformato nel secondo film di Anderson: Boogie Nights, ambientato tra la fine degli anni ‘70 e la metà degli anni ‘80. 

Dirk Digler è un lavapiatti che scopre di avere un talento eccezionale che gli farà cambiare per sempre la sua vita: la dimensione del suo pene. Per Dirk comincia un’ascesa nella fiorente industria pornografica degli anni settanta, dalla quale proverà ad allontanarsi senza successo per poi farvi ritorno. 

In quel momento molti artisti si sono resi conto che il cinismo dietro ai quali ci si nascondeva, mettendo in ridicolo le contraddizioni della società Americana, era fine a se stesso. Questi autori hanno compreso che c’era il bisogno di comunicare altro per trovare risposte ai conflitti dell’uomo contemporaneo. Con Magnolia, Anderson ha regalato al pubblico una delle esperienze cinematografiche corali più intense di sempre e ha in qualche modo preannunciato l’avvento di una nuova umanità, quella post 11 settembre. Con Punch-Drunk Love lo stesso regista in un'intervista rivelerà: “I did want to make a lighter movie”. Partendo da un individuo completamente ripiegato su se stesso, frustrato dalla società e alla disperata ricerca di conferme, emblema dell’uomo medio immerso nella società consumistica. I dialoghi sono sempre spezzettati, domande inopportune non trovano risposta, e il telefono sembra essere l’unico strumento per confidarsi più sinceramente, come quando Lena chiama Barry per dirgli che lo avrebbe voluto baciare dopo l’appuntamento.

Un taglio netto con le atmosfere più drammatiche dei suoi film precedenti, e il risultato è un'opera trasgressiva e anarchica, a tratti persino surrealista ma colma di sentimento sincero. Punch-Drunk Love non ha niente di frivolo come ci si aspetterebbe da una commedia sentimentale con Adam Sandler, ma mescola gioia di vivere e follia nevrotica. Torna di nuovo protagonista la San Fernando Valley. In questo microcosmo così simmetrico assistiamo ai deliri emotivi di Barry, antieroe contemporaneo dominato da ripetuti tormenti e paure. Barry è un esiliato dalla collettività che si proclama una brava persona, costretto a scontrarsi con il mondo di sogni consumistici nel quale vive e di cui non si accorge di essere una vittima predestinata. Attraverso le più sofisticate tecniche di marketing, gli onnipresenti cartelli pubblicitari e gli infiniti prodotti che riempiono gli scaffali dei grandi magazzini, il denaro subisce un’inquietante trasformazione diventando uno strumento di controllo. Ma è proprio nei consumi che Barry scopre una falla, grazie all’accumulo di miglia ottenute acquistando dei budini che gli permetteranno di compiere un viaggio verso le Hawaii per esprimere il suo amore per Lena. Dopo anni passati a reprimere le proprie emozioni, il destino regala a Barry la possibilità di riscattarsi per trovare la felicità attraverso un amore estremo e folgorante. Quella americana sembra essere una società evanescente e malata che ha smarrito i valori più semplici in un’eterna corsa al materialismo. Nella visione di Anderson la società dei consumi riesce a offrire solo un temporaneo sollievo dalla sofferenza e un’apparente soluzione ai problemi,  rendendo invece permanenti l’insoddisfazione e la dipendenza. Concludo con le parole di David Foster Wallace che nel 1996 descrive così la condizione umana dell’epoca: “Il mondo reale è pieno di solitudine esistenziale. Io non so cosa stai pensando o che cos’è che hai dentro, e tu non sai che cos’ho dentro io”.

There Will Be Blood è un libero adattamento di Oil (1927) di Upton Sinclair, satira politica che narra le vicende di un magnate petroliere alle prese con la corruzione dei politici per ottenere lotti di terra californiana. Del romanzo di Sinclair, Anderson ha estratto solamente le prime 150 pagine per sviluppare la sua sceneggiatura. 

Daniel è un cercatore d’oro che, durante uno scavo solitario, si imbatte in una roccia diversa da ciò che cercava, una roccia scura che cambierà per sempre la sua vita. Attraverso l’arma della persuasione Daniel edifica un piccolo villaggio per far fronte alle sue necessità imprenditoriali e promette cibo e acqua a tutti coloro che lavoreranno nei suoi pozzi petroliferi.
La visione romantica dei pionieri, che esplorano terre sconosciute in cerca di fortuna, si tramuta in un affresco storico inquietante dove regna soltanto l’avidità degli esseri umani. Il film racconta lo spirito di frontiera dominato dall’inesauribile ricerca di ricchezza attraverso lo sfruttamento dei giacimenti petroliferi nelle terre del west. There Will Be Blood è il film sull’età dell’oro, oramai divenuto nero, un’allegoria del cambiamento che hanno subito gli Stati Uniti fra l’Ottocento e il Novecento, quando sono diventati una superpotenza industriale. Una fase che ha cambiato in modo indelebile non solo la storia americana, ma quella mondiale, perché ha permesso agli Stati Uniti di diventare, in pochi anni, la prima potenza economica. Anderson ha messo in scena la sua visione di chi siano stati questi pionieri divenuti poi dei magnati, e di che ruolo abbia avuto l’unica istituzione allora presente in quei territori così isolati: la Chiesa. Per ottenere ciò di cui necessita Daniel è costretto a corrompere l’unica figura che possa in qualche modo ostacolarlo: Eli, un giovane prete evangelico con il quale instaura un rapporto di sottomissione e continui giochi di potere. Nel film vediamo Daniel scavare nella terra cosí a fondo da fondersi metaforicamente con essa, tanto da addormentarsi più volte sul pavimento. Un’immagine particolarmente evocativa: dopo aver trivellato il suolo e installato un rudimentale pozzo petrolifero, un operaio benedice il figlio con il petrolio. Si tratta di una sequenza rapida ma iconica, la traduzione in immagine di ciò che era l’America in quel momento: una nazione giovane, battezzata da questo elemento naturale che la segnerà per il resto della sua storia.  

Sul piano drammaturgico la particolarità di There Will Be Blood è quella di non essere affatto un biopic tradizionale. Vediamo soltanto alcune fasi della lunga vita di Daniel, sempre segnate dalla dualità con il prete Eli, un personaggio dal ruolo ambiguo e difficile da inquadrare in una dimensione drammaturgica classica (eroe e antagonista). Questa relazione contorta e violenta tra il protagonista e questa figura religiosa ha fatto maturare una grande curiosità per il film successivo di Anderson, The Master (2012), incentrato sulla controversa figura del fondatore di Scientology: Ron Hubbard. 

Quando il film è stato presentato al festival di Venezia del 2012, tutti si aspettavano da Anderson un racconto critico e blasfemo sull’universo di Scientology. Lancaster Dod, il personaggio interpretato da Philip Seymour Hoffman e ispirato alla figura di Hubbard, è invece mosso da un sincero desiderio di estirpare i mali esistenziali che lo tormentano con il fine di diffondere un metodo che possa funzionare anche per le altre persone. La sua teoria è che il male che attanaglia l’esistenza di ognuno di noi è il frutto dei limiti che noi stessi ci poniamo. Ma Lancaster non è nemmeno così sicuro del verbo che sta diffondendo, tanto da sperimentare invano e ossessivamente diverse metodologie per ottenere dei riscontri scientifici. Il suo cammino si incrocia con quello di Freddie, un militare congedato dalla guerra di Corea con gravi problemi di alcolismo e difficoltà a controllare la rabbia. Tra Lancaster e Freddie si instaura un rapporto dai caratteri universali e archetipici: la ragione contro l’istinto. The Master racconta l’eterna volontà dell’uomo di scontrarsi con un padrone che, seppure in buona fede, è costretto a imporre delle regole per stabilire un ordine. Freddie però si ribella alle regole del suo maestro e fugge nel deserto in sella alla motocicletta di Lancaster.

La complessità polifonica delle opere di Pynchon (che ha fatto da apripista al movimento letterario postmoderno), ha rappresentato da sempre una sfida per i registi di Hollywood che non sono mai riusciti ad adattare un suo romanzo. P.T. Anderson stava lavorando all’adattamento di Vineland, pubblicato nel 1990, ma alla pubblicazione di Inherent Vice nel 2009 Anderson decise di adattare questo noir ambientato nella psichedelica Los Angeles del 1970. 

Doc Sportello è un investigatore privato che viene assunto per lavorare a una serie di intricati casi apparentemente collegati fra loro e nei quali è coinvolta la sua ex fidanzata Shasta, femme fatale di cui Doc è ancora irrimediabilmente innamorato. Inherent Vice racconta la disillusione della generazione dei figli dei fiori, ma lo sguardo non è lucido e critico come quello che Antonioni ha avuto con Zabriskie Point. Al contrario, il film di Anderson guarda con malinconia a quell’epoca (forse perchè non l’ha mai vissuta) e a quell’utopia rivelatasi fallimentare che è stata la controcultura.
La complessa struttura narrativa del film, e i numerosi elementi di disturbo, le continue coincidenze o situazioni grottesche, sono interferenze escogitate per ricreare lo sguardo soggettivo di Sportello, perennemente sballato per i numerosi spinelli che fuma. L’esperienza può essere paragonata al  vedere un classico noir come The Big Sleep da strafatti. Nel cercare di spiegare razionalmente Inherent Vice si rischia di far perdere quel senso di smarrimento che procura il film alla prima visione. Ed è proprio il titolo del film, il cui significato ci viene rivelato a metà dell’opera, che svela la condizione umana in cui si trova Doc. Sarà Sortilege, la misteriosa voce narrante del film, a rivelare: “Inherent Vice, nelle polizze assicurative marittime, è tutto ciò che non si può prevedere. Uova che si rompono, cioccolata che si scioglie, bicchieri che si spaccano.” Il vizio di forma è l’indice della possibilità che ogni oggetto possiede di deteriorarsi a causa dell’instabilità dei componenti che ne fanno parte, e non per cause esterne. 

Il titolo del libro potrebbe essere una metafora dell’intera generazione degli hippie, una cultura che è finita per deteriorarsi dal suo interno, con le stesse armi da loro vendute come il nettare per aprire le porte della percezione: le droghe. I protagonisti cercano ingenuamente di sfruttare delle buone correnti karmiche, ma sembrano confusi e incapaci di spiegare le vele al momento giusto. Inherent Vice è forse il film più politico di Anderson, un’odissea all’interno di un'epoca. È solo in apparenza un film che rimpiange la controcultura, perché scava al suo interno e ne rivela pregi e difetti, fino a rappresentare la sconfitta definitiva leggibile nelle parole di Sortilege: “Eppure non c’è modo di evitare il tempo. Il mare del tempo. Il mare del ricordo e della dimenticanza. Gli anni delle promesse andate e ormai irrecuperabili. Della terra a cui è stato concesso di rivendicare un destino migliore per poi vedere quella rivendicazione ignorata da noti malfattori e invece presa e tenuta in ostaggio da un futuro in cui dobbiamo vivere per sempre. Speriamo che questa nave benedetta sia in rotta verso lidi migliori. Risorta e redenta. Dove il fato dell’America per fortuna non è riuscito a trapelare.“

Anderson ha dichiarato di aver cominciato a vedere film porno fin da quando andava alle scuole elementari, quando scoprì nel seminterrato di casa la “cineteca” a luci rosse appartenente al padre. All’età di diciotto anni realizza un mockumentary sulla vita di un attore a luci rosse. Otto anni dopo, quel lavoro verrà trasformato nel secondo film di Anderson: Boogie Nights, ambientato tra la fine degli anni ‘70 e la metà degli anni ‘80. 

Dirk Digler è un lavapiatti che scopre di avere un talento eccezionale che gli farà cambiare per sempre la sua vita: la dimensione del suo pene. Per Dirk comincia un’ascesa nella fiorente industria pornografica degli anni settanta, dalla quale proverà ad allontanarsi senza successo per poi farvi ritorno. 

In quel momento molti artisti si sono resi conto che il cinismo dietro ai quali ci si nascondeva, mettendo in ridicolo le contraddizioni della società Americana, era fine a se stesso. Questi autori hanno compreso che c’era il bisogno di comunicare altro per trovare risposte ai conflitti dell’uomo contemporaneo. Con Magnolia, Anderson ha regalato al pubblico una delle esperienze cinematografiche corali più intense di sempre e ha in qualche modo preannunciato l’avvento di una nuova umanità, quella post 11 settembre. Con Punch-Drunk Love lo stesso regista in un'intervista rivelerà: “I did want to make a lighter movie”. Partendo da un individuo completamente ripiegato su se stesso, frustrato dalla società e alla disperata ricerca di conferme, emblema dell’uomo medio immerso nella società consumistica. I dialoghi sono sempre spezzettati, domande inopportune non trovano risposta, e il telefono sembra essere l’unico strumento per confidarsi più sinceramente, come quando Lena chiama Barry per dirgli che lo avrebbe voluto baciare dopo l’appuntamento.

Un taglio netto con le atmosfere più drammatiche dei suoi film precedenti, e il risultato è un'opera trasgressiva e anarchica, a tratti persino surrealista ma colma di sentimento sincero. Punch-Drunk Love non ha niente di frivolo come ci si aspetterebbe da una commedia sentimentale con Adam Sandler, ma mescola gioia di vivere e follia nevrotica. Torna di nuovo protagonista la San Fernando Valley. In questo microcosmo così simmetrico assistiamo ai deliri emotivi di Barry, antieroe contemporaneo dominato da ripetuti tormenti e paure. Barry è un esiliato dalla collettività che si proclama una brava persona, costretto a scontrarsi con il mondo di sogni consumistici nel quale vive e di cui non si accorge di essere una vittima predestinata. Attraverso le più sofisticate tecniche di marketing, gli onnipresenti cartelli pubblicitari e gli infiniti prodotti che riempiono gli scaffali dei grandi magazzini, il denaro subisce un’inquietante trasformazione diventando uno strumento di controllo. Ma è proprio nei consumi che Barry scopre una falla, grazie all’accumulo di miglia ottenute acquistando dei budini che gli permetteranno di compiere un viaggio verso le Hawaii per esprimere il suo amore per Lena. Dopo anni passati a reprimere le proprie emozioni, il destino regala a Barry la possibilità di riscattarsi per trovare la felicità attraverso un amore estremo e folgorante. Quella americana sembra essere una società evanescente e malata che ha smarrito i valori più semplici in un’eterna corsa al materialismo. Nella visione di Anderson la società dei consumi riesce a offrire solo un temporaneo sollievo dalla sofferenza e un’apparente soluzione ai problemi,  rendendo invece permanenti l’insoddisfazione e la dipendenza. Concludo con le parole di David Foster Wallace che nel 1996 descrive così la condizione umana dell’epoca: “Il mondo reale è pieno di solitudine esistenziale. Io non so cosa stai pensando o che cos’è che hai dentro, e tu non sai che cos’ho dentro io”.