Ciò che sembra rivendicare Dolan nei suoi film è proprio un diritto all’eccentricità, ossia all’essere così come si è. Non si cerca una definizione, ma si può essere in tanti modi possibili. È il cuore del suo film successivo, Laurence Anyways (2011). Laurence Alia (Melville Poupaud) è un brillante docente di letteratura francese a Montreal (specchio autobiografico e ambientazione dominante dei primi film del regista), il quale decide di comunicare alla sua compagna Fréd il desiderio di intraprendere un percorso di transizione e di cambiare sesso. Per Fréd ciò sarà estremamente traumatico, ma deciderà comunque di restare accanto al proprio compagno. La relazione tra i due andrà avanti, ma dovrà scontrarsi con il pregiudizio sociale. Il titolo del film ricalca fortemente questo messaggio: manifestare la propria sessualità coerentemente al proprio sentire.  Qui, come la dimensione musicale, anche il colore assume toni estremamente evocativi. Utilizzato in combinazione sinestetica con l’armonia sonora, il colore diventa quasi una sorta di commento o didascalia all’immagine narrativa.

È forse tra i film più decisivi del regista, il più eccessivo dal punto di vista estetico, dimostrazione palpabile di quanto quello di Dolan sia ancora un cinema molto sbilanciato e straripante, non calibrato.
Immagini fulminanti e frammentate dimostrano come per il regista sia importante, se non fondamentale, l’aspetto della visione. Predominante l’uso di tonalità fredde, dal viola al verde al ceruleo, indice di un ritrovato stato di liberazione e consapevolezza di sé, conseguente ad uno stato di costrizione e prigionia corporea. Il cambio di identità è accentuato da Dolan con l’uso fortissimo di luci psichedeliche e colorate che contribuiscono a connotare il periodo storico degli anni 80’.

Nel suo quarto provocatorio lungometraggio, Tom à la ferme (2013), il venticinquenne Dolan fa i conti con un’opera teatrale, quella di Michel-Marc Bouchard. Il giovane Tom (Xavier Dolan) si reca in campagna al funerale del suo compagno Guillaume, ma qui apprende che nessuno sa della sua esistenza. L’omofobo Francis, fratello maggiore del defunto, ha nascosto tutto alla madre obbligando violentemente Tom a mentire sulla natura dei suoi sentimenti, infliggendogli una serie di umiliazioni.

Una storia di violenza domestica, in cui Dolan utilizza il thriller per analizzare la psicologia di una famiglia disfunzionale che diviene microcosmo di odio, di ambivalenza di identità e di rimozione della realtà. In questo adattamento cinematografico Dolan piega un testo che non gli appartiene alle ragioni del suo cinema. Così facendo, usa il cinema per dare piena realtà all’ambientazione. Addossa letteralmente la camera ai personaggi, con un ritaglio di primi piani molto stretti, nei quali spesso il volto dell’attore occupa l’intero campo.
Tutti gli elementi tipici dell’estetica dolaniana, con Tom à la ferme, vengono totalmente ridefiniti. Ai toni del nero e grigio fa da contraltare la figura di Tom, alieno nella campagna canadese, esatta antitesi della figura di Francis. Infatti, il protagonista che veste gli abiti della metropoli con i suoi capelli gialli ossigenati, come i campi di mais che circondano la casa e gli alberi nella stagione autunnale sullo sfondo, diventa una sorta di luce al neon nel buio della notte. 

Accanto a questi accenti pressoché veristici, in Tom à la ferme vi è la prima messa in atto di una delle tecniche registiche predilette da Dolan, ossia la restrizione di campo. Tecnica che ritroveremo successivamente in Mommy e nell’ultimo, Matthias & Maxime (2019). Modalità visiva che ricalca la tensione e la paura del protagonista, rendendo soffocante anche la visione stessa. Per esaltare questo dramma, Dolan enfatizza l’uso di tonalità che vanno dal giallo al verde, tipiche di un’ambientazione campestre. La campagna canadese diviene sintomo di un mondo familiare repellente e attraente al contempo. Lo notiamo in una delle scene centrali della narrazione, quella in cui il protagonista Tom fugge in un campo di mais dalle vessazioni di Francis.

Mommy (2014) è sicuramente una pellicola tra le più riuscite del regista, volta a delineare il rapporto tra una madre Diane “Die” (Anne Dorval), vedova 40enne provocante e aggressiva, e suo figlio quindicenne Steve (Antoine Oliver Piton), affetto da “deficit d’attenzione e iperattività di tipo oppositivo-provocatorio”. Rapporto declinato mediante un continuo dissidio di amore e odio. Trattasi del quinto film del regista franco-canadese che firma sceneggiatura, costumi e montaggio. Premio della giuria al Festival di Cannes 2014 ex aequo con Adieu au langage di Godard, oltre ad essere nel 2015 tra i migliori film stranieri candidati ai David di Donatello.

Mommy (2014) è sicuramente una pellicola tra le più riuscite del regista, volta a delineare il rapporto tra una madre Diane “Die” (Anne Dorval), vedova 40enne provocante e aggressiva, e suo figlio quindicenne Steve (Antoine Oliver Piton), affetto da “deficit d’attenzione e iperattività di tipo oppositivo-provocatorio”. Rapporto declinato mediante un continuo dissidio di amore e odio. Trattasi del quinto film del regista franco-canadese che firma sceneggiatura, costumi e montaggio. Premio della giuria al Festival di Cannes 2014 ex aequo con Adieu au langage di Godard, oltre ad essere nel 2015 tra i migliori film stranieri candidati ai David di Donatello.

Ancora una volta la stagione prediletta è quella autunnale, mite e solare, colorata dai grandi alberi gialli e rossi. A tal proposito, Dolan in un’intervista ha dichiarato che per Mommy la scelta è ricaduta su una fotografia molto luminosa rispetto alle precedenti, così da conferire importanza all’anima dei protagonisti.  

Il discorso visivo per Dolan, oltre che determinante, è letterale. Non c’è un’elaborazione che non sia perfettamente leggibile. Anziché puntare su un 16:9 o 14:3, Dolan vira sul formato quadrato dell’1:1 che va ad occupare il centro dello schermo. Due barre nere laterali che producono due effetti: mostrare l’artificiosità di ciò che appare sulla scena e comprimere la camera sugli attori.  Notevole la scelta di allargare il formato tornando al tradizionale 16:9 solo nei momenti felici, quelli di una prospettiva di cambiamento in senso positivo del protagonista. É Wonderwall, brano iconico degli Oasis, che accompagna una delle scene più incisive del film: la corsa a bordo dello skateboard di Steve.

Con una fotografia dal tratto nitido (André Turpin), Xavier Dolan riesce a trasmettere una sorta di effetto claustrofobico nello spettatore, dilazionando i difetti e le angosce dei personaggi con una moltitudine di primi piani e dettagli dei volti. Predominano scene esterne trafitte dalla luce solare tendente al dorato e interni dal verdastro al giallo e rosso. Dal punto di vista cromatico, la netta predominanza di tonalità azzurre e giallastre simboleggia finalmente l’apertura del giovane protagonista Steve a una libertà mancata e ritrovata. 

Dopo il riuscito Juste la fin du monde (2016) e il flop de La mia vita con John F. Donovan (2018), il canadese Dolan ritorna dietro la macchina da presa nel duplice ruolo di attore (non recitava in un proprio film dai tempi di Tom à la ferme) e regista in un film profondo, che richiama molti degli aspetti cruciali della sua poetica cinematografica: la ricerca della propria identità sessuale, il rapporto tra diverse generazioni e con la propria madre, l’importanza degli affetti.

Presentato in concorso alla 72esima edizione del Festival di Cannes, Matthias & Maxime (2019) è un film di ritorni. Due amici di vecchia data, Matthias (Gabriel D’Almedia Freitas) e Maxime (Xavier Dolan). Un’amicizia vissuta tra racconti, risate e alcool. Una proposta: girare la scena di un film in cui due ragazzi si baciano. La perplessità nei loro volti. Il nodo che li tiene stretti comincia ad allentarsi. I due si scambiano un bacio durante le riprese di un cortometraggio amatoriale. Il gesto, apparentemente innocuo, insinuerà in loro un dubbio persistente, minacciando l’unione del gruppo e, alla fine, cambiando improvvisamente le loro vite.

La sensibilità e l’uso della macchina da presa del regista si evidenziano in fotogrammi dal tratto incisivo: Matt si allontana a nuoto e finisce per perdersi. Qui è interessante l’uso netto della colorazione bluastra che invade letteralmente l’intero campo visivo a simboleggiare una perdizione interiore e il suono dell’acqua con il contatto umano. Campi lunghi, fotogrammi velocizzati, primi piani su oggetti di vita quotidiana dimostrano la meticolosità tipica di Dolan nel dare forma e importanza ai dettagli. Dolan colpisce al cuore dello spettatore con un racconto che parla di amore e amicizia. Allarga e restringe il campo con un concentrato di debolezze e crisi dei rapporti umani.

Per Xavier Dolan il cinema non è altro che un’arte volta a mostrare e a far vedere le cose. In ogni lungometraggio, a emergere è proprio una grande capacità di raccontare le relazioni umane con la costruzione di immagini fresche e nuove per lo spettatore.
Da qui, la volontà di consegnare alle immagini le proprie modalità di espressione, senza calibrarle o sfumarle. A Dolan non interessa affatto misurare l’effetto visivo. Nonostante spesso sia soggetto a critiche e per quanto sia un cineasta esuberante, Dolan non è mai gratuito. Le immagini insieme al colore si caricano di significato. Le sue scelte stilistiche rispondono sempre ad una logica profondamente connessa alla narrazione.
Il regista accompagna così lo spettatore in un viaggio cromatico, con il suo esuberante uso del colore come guida. Spruzzato con vivaci tonalità o con gelidi neutri e pastelli, l’impatto visivo funziona. È come se le esperienze interiori e le emozioni dei suoi personaggi stessero sanguinando in ogni angolo dell'inquadratura, creando un'esperienza intensa e sensuale.

Ciò che sembra rivendicare Dolan nei suoi film è proprio un diritto all’eccentricità, ossia all’essere così come si è. Non si cerca una definizione, ma si può essere in tanti modi possibili. È il cuore del suo film successivo, Laurence Anyways (2011). Laurence Alia (Melville Poupaud) è un brillante docente di letteratura francese a Montreal (specchio autobiografico e ambientazione dominante dei primi film del regista), il quale decide di comunicare alla sua compagna Fréd il desiderio di intraprendere un percorso di transizione e di cambiare sesso. Per Fréd ciò sarà estremamente traumatico, ma deciderà comunque di restare accanto al proprio compagno. La relazione tra i due andrà avanti, ma dovrà scontrarsi con il pregiudizio sociale. Il titolo del film ricalca fortemente questo messaggio: manifestare la propria sessualità coerentemente al proprio sentire.  Qui, come la dimensione musicale, anche il colore assume toni estremamente evocativi. Utilizzato in combinazione sinestetica con l’armonia sonora, il colore diventa quasi una sorta di commento o didascalia all’immagine narrativa.

È forse tra i film più decisivi del regista, il più eccessivo dal punto di vista estetico, dimostrazione palpabile di quanto quello di Dolan sia ancora un cinema molto sbilanciato e straripante, non calibrato.
Immagini fulminanti e frammentate dimostrano come per il regista sia importante, se non fondamentale, l’aspetto della visione. Predominante l’uso di tonalità fredde, dal viola al verde al ceruleo, indice di un ritrovato stato di liberazione e consapevolezza di sé, conseguente ad uno stato di costrizione e prigionia corporea. Il cambio di identità è accentuato da Dolan con l’uso fortissimo di luci psichedeliche e colorate che contribuiscono a connotare il periodo storico degli anni 80’.

Nel suo quarto provocatorio lungometraggio, Tom à la ferme (2013), il venticinquenne Dolan fa i conti con un’opera teatrale, quella di Michel-Marc Bouchard. Il giovane Tom (Xavier Dolan) si reca in campagna al funerale del suo compagno Guillaume, ma qui apprende che nessuno sa della sua esistenza. L’omofobo Francis, fratello maggiore del defunto, ha nascosto tutto alla madre obbligando violentemente Tom a mentire sulla natura dei suoi sentimenti, infliggendogli una serie di umiliazioni.

Una storia di violenza domestica, in cui Dolan utilizza il thriller per analizzare la psicologia di una famiglia disfunzionale che diviene microcosmo di odio, di ambivalenza di identità e di rimozione della realtà. In questo adattamento cinematografico Dolan piega un testo che non gli appartiene alle ragioni del suo cinema. Così facendo, usa il cinema per dare piena realtà all’ambientazione. Addossa letteralmente la camera ai personaggi, con un ritaglio di primi piani molto stretti, nei quali spesso il volto dell’attore occupa l’intero campo.
Tutti gli elementi tipici dell’estetica dolaniana, con Tom à la ferme, vengono totalmente ridefiniti. Ai toni del nero e grigio fa da contraltare la figura di Tom, alieno nella campagna canadese, esatta antitesi della figura di Francis. Infatti, il protagonista che veste gli abiti della metropoli con i suoi capelli gialli ossigenati, come i campi di mais che circondano la casa e gli alberi nella stagione autunnale sullo sfondo, diventa una sorta di luce al neon nel buio della notte. 

Accanto a questi accenti pressoché veristici, in Tom à la ferme vi è la prima messa in atto di una delle tecniche registiche predilette da Dolan, ossia la restrizione di campo. Tecnica che ritroveremo successivamente in Mommy e nell’ultimo, Matthias & Maxime (2019). Modalità visiva che ricalca la tensione e la paura del protagonista, rendendo soffocante anche la visione stessa. Per esaltare questo dramma, Dolan enfatizza l’uso di tonalità che vanno dal giallo al verde, tipiche di un’ambientazione campestre. La campagna canadese diviene sintomo di un mondo familiare repellente e attraente al contempo. Lo notiamo in una delle scene centrali della narrazione, quella in cui il protagonista Tom fugge in un campo di mais dalle vessazioni di Francis.

Mommy (2014) è sicuramente una pellicola tra le più riuscite del regista, volta a delineare il rapporto tra una madre Diane “Die” (Anne Dorval), vedova 40enne provocante e aggressiva, e suo figlio quindicenne Steve (Antoine Oliver Piton), affetto da “deficit d’attenzione e iperattività di tipo oppositivo-provocatorio”. Rapporto declinato mediante un continuo dissidio di amore e odio. Trattasi del quinto film del regista franco-canadese che firma sceneggiatura, costumi e montaggio. Premio della giuria al Festival di Cannes 2014 ex aequo con Adieu au langage di Godard, oltre ad essere nel 2015 tra i migliori film stranieri candidati ai David di Donatello.

Mommy (2014) è sicuramente una pellicola tra le più riuscite del regista, volta a delineare il rapporto tra una madre Diane “Die” (Anne Dorval), vedova 40enne provocante e aggressiva, e suo figlio quindicenne Steve (Antoine Oliver Piton), affetto da “deficit d’attenzione e iperattività di tipo oppositivo-provocatorio”. Rapporto declinato mediante un continuo dissidio di amore e odio. Trattasi del quinto film del regista franco-canadese che firma sceneggiatura, costumi e montaggio. Premio della giuria al Festival di Cannes 2014 ex aequo con Adieu au langage di Godard, oltre ad essere nel 2015 tra i migliori film stranieri candidati ai David di Donatello.

Ancora una volta la stagione prediletta è quella autunnale, mite e solare, colorata dai grandi alberi gialli e rossi. A tal proposito, Dolan in un’intervista ha dichiarato che per Mommy la scelta è ricaduta su una fotografia molto luminosa rispetto alle precedenti, così da conferire importanza all’anima dei protagonisti.  

Il discorso visivo per Dolan, oltre che determinante, è letterale. Non c’è un’elaborazione che non sia perfettamente leggibile. Anziché puntare su un 16:9 o 14:3, Dolan vira sul formato quadrato dell’1:1 che va ad occupare il centro dello schermo. Due barre nere laterali che producono due effetti: mostrare l’artificiosità di ciò che appare sulla scena e comprimere la camera sugli attori.  Notevole la scelta di allargare il formato tornando al tradizionale 16:9 solo nei momenti felici, quelli di una prospettiva di cambiamento in senso positivo del protagonista. É Wonderwall, brano iconico degli Oasis, che accompagna una delle scene più incisive del film: la corsa a bordo dello skateboard di Steve.

Con una fotografia dal tratto nitido (André Turpin), Xavier Dolan riesce a trasmettere una sorta di effetto claustrofobico nello spettatore, dilazionando i difetti e le angosce dei personaggi con una moltitudine di primi piani e dettagli dei volti. Predominano scene esterne trafitte dalla luce solare tendente al dorato e interni dal verdastro al giallo e rosso. Dal punto di vista cromatico, la netta predominanza di tonalità azzurre e giallastre simboleggia finalmente l’apertura del giovane protagonista Steve a una libertà mancata e ritrovata. 

Dopo il riuscito Juste la fin du monde (2016) e il flop de La mia vita con John F. Donovan (2018), il canadese Dolan ritorna dietro la macchina da presa nel duplice ruolo di attore (non recitava in un proprio film dai tempi di Tom à la ferme) e regista in un film profondo, che richiama molti degli aspetti cruciali della sua poetica cinematografica: la ricerca della propria identità sessuale, il rapporto tra diverse generazioni e con la propria madre, l’importanza degli affetti.

Presentato in concorso alla 72esima edizione del Festival di Cannes, Matthias & Maxime (2019) è un film di ritorni. Due amici di vecchia data, Matthias (Gabriel D’Almedia Freitas) e Maxime (Xavier Dolan). Un’amicizia vissuta tra racconti, risate e alcool. Una proposta: girare la scena di un film in cui due ragazzi si baciano. La perplessità nei loro volti. Il nodo che li tiene stretti comincia ad allentarsi. I due si scambiano un bacio durante le riprese di un cortometraggio amatoriale. Il gesto, apparentemente innocuo, insinuerà in loro un dubbio persistente, minacciando l’unione del gruppo e, alla fine, cambiando improvvisamente le loro vite.

La sensibilità e l’uso della macchina da presa del regista si evidenziano in fotogrammi dal tratto incisivo: Matt si allontana a nuoto e finisce per perdersi. Qui è interessante l’uso netto della colorazione bluastra che invade letteralmente l’intero campo visivo a simboleggiare una perdizione interiore e il suono dell’acqua con il contatto umano. Campi lunghi, fotogrammi velocizzati, primi piani su oggetti di vita quotidiana dimostrano la meticolosità tipica di Dolan nel dare forma e importanza ai dettagli. Dolan colpisce al cuore dello spettatore con un racconto che parla di amore e amicizia. Allarga e restringe il campo con un concentrato di debolezze e crisi dei rapporti umani.

Per Xavier Dolan il cinema non è altro che un’arte volta a mostrare e a far vedere le cose. In ogni lungometraggio, a emergere è proprio una grande capacità di raccontare le relazioni umane con la costruzione di immagini fresche e nuove per lo spettatore.
Da qui, la volontà di consegnare alle immagini le proprie modalità di espressione, senza calibrarle o sfumarle. A Dolan non interessa affatto misurare l’effetto visivo. Nonostante spesso sia soggetto a critiche e per quanto sia un cineasta esuberante, Dolan non è mai gratuito. Le immagini insieme al colore si caricano di significato. Le sue scelte stilistiche rispondono sempre ad una logica profondamente connessa alla narrazione.
Il regista accompagna così lo spettatore in un viaggio cromatico, con il suo esuberante uso del colore come guida. Spruzzato con vivaci tonalità o con gelidi neutri e pastelli, l’impatto visivo funziona. È come se le esperienze interiori e le emozioni dei suoi personaggi stessero sanguinando in ogni angolo dell'inquadratura, creando un'esperienza intensa e sensuale.