Reservoir Dogs scioccò il Sundance Film Festival del 1992 per l’originalità della sua struttura e la caratterizzazione di una serie di personaggi al limite del credibile, quasi che fossero le repliche di protagonisti di altri film di genere tutt’a un tratto calati in un nuovo campo da gioco. Al giornalista Peter Brunette Tarantino spiegò che ne Le iene “volevo spezzare la narrazione, non per fare il sapientone, lo sbruffone, ma per rendere il film drammaticamente migliore. Se ci fossi riuscito, avrei ottenuto una certa risonanza, quindi mi piaceva l’idea di dare le risposte prima di esaminare le domande”. Il risultato di questo esercizio di stile è un heist movie costruito tutto su una forma di cinosi narrativa, sull’allusione a una serie di eventi-chiave e di segreti che per il pubblico non vengono mai alla luce, ripagandolo tuttavia con una serie di momenti quasi slapstick e colpi di scena che restano impressi nella mente.

“Penso che i film dovrebbero beneficiare della libertà del romanzo”, proseguiva Tarantino. “È così che lavoro: lascio che i personaggi improvvisino, divento una specie di stenografo di tribunale. Ho la possibilità di essere attore e regista al tempo stesso”. Già al momento dell’uscita nelle sale americane de Le iene iniziò a palesarsi quella che sarebbe diventata la vexata quaestio dell’uso della violenza nei suoi film, ma alle critiche su quest’aspetto Tarantino si limitava già allora a dire che “io rispondo che amo la violenza nei film, e se non ti piace è come se non ti piacesse il tip tap, o la farsa, ma questo non significa che non debba essere mostrata”. Nonostante l’apparente istintività e sfrenatezza della regia di Tarantino, nelle sue opere c’è in realtà un gioco molto calibrato di visione e nascondimento, di narrazione e rimozione: “ciò che non si vede nell’inquadratura è importante quanto ciò che si vede. Alcuni registi vogliono mostrare tutto. Non vogliono che lo spettatore abbia dubbi di alcun genere, ma io no. Ho visto così tanti film che mi piace giocare con certi elementi”, disse in un’intervista a Graham Fuller.

Soprattutto dopo l’exploiit di Pulp Fiction, che dopo la presentazione e la vittoria della Palma d’Oro al Festival di Cannes divenne uno dei maggiori successi ai botteghini del 1994, iniziò a imporsi un sotto-genere “tarantiniano” dell’action americano, ma Tarantino si diceva contento dei molti emulatori: “mi divertono moltissimo. Se ho reso un po’ più facile per gli artisti andare in quella direzione, lavorare con la violenza, bene, vuol dire che sono servito a qualcosa”. Il suo amore e il suo rifarsi ai film d’exploitation degli anni settanta aveva per lui chiari origini biografiche e sociologiche: “vivevo nell’area urbana di South Bay. Nella città di Carson, una zona di neri, ispanici e samoani, c’era un cinema chiamato Carson Twin Cinema. Venivano proiettati tutti i film di exploitation non appena uscivano, ma anche i classici film hollywoodiani. E, nel weekend di uscita, l’unica settimana in cui venivano proiettati, gli ultimi film di kung-fu o i film blaxpoitation e hickspolitation”, ricorda Tarantino in un’intervista del 1996 con Don Gibalevich. “I ragazzi neri, i Crips, che urlavano verso lo schermo, tutti i samoani presenti, quelli che facevano combattimenti di kung-fu e così via. Era uno spasso. Le videocassette hanno spazzato via tutto questo: l’aspetto comunitario, l’aspetto ritualistico”.

Dopo che Pulp Fiction lo aveva consacrato come una delle voci di punta del cinema statunitense degli anni novanta, Quentin Tarantino volle alzare la posta del gioco adattando un romanzo di Elmore Leonard, Punch al rum, in quello che sarebbe diventato Jackie Brown, il suo terzo film datato 1997. “Volevo adattare Elmore Leonard da molto tempo. È stato il primo scrittore che ho letto da ragazzino che mi faceva sentire compreso. Si trattava di trovare il libro giusto. In realtà avevo letto Punch al rum, il romanzo da cui ho tratto Jackie Brown, nella versione tra la bozza e la pubblicazione, appena prima di finire le riprese di Pulp Fiction. L’ho letto e l’ho visualizzato subito”, racconta Tarantino in un’intervista con Adrian Wootton del 1998. “Elmore Leonard è ingannevole, difficile da adattare. E Punch al rum non è il romanzo più semplice. È complesso perché fondamentalmente vorresti riportare tutto sullo schermo, e non puoi. Trovi una parte che puoi sacrificare, ma poi ti rendi conto che contiene un’informazione importante sepolta all’interno. Quindi devi capire come mostrare quell’informazione in modo organico. La parola chiave è organicamente. Non volevo che sembrasse la versione da Reader’s Digest del suo romanzo”. Con Jackie Brown Tarantino riuscì a comporre uno dei suoi film più compatti e maturi, non un instant cult come fu Pulp Fiction ma una pellicola che ricevette il plauso del pubblico e della critica e che fruttò al suo co-protagonista Samuel L. Jackson un Orso d’Argento per l’interpretazione al Festival di Berlino.

Già nel 2008, nell’intervista Tarantino risponde per le rime di Nick James, Tarantino esprimeva quello che negli ultimi anni è diventato un mantra con il suo voto laico di realizzare solo dieci film per il cinema: “non ho intenzione di fare film fino a tarda età. Non voglio essere un regista geriatrico. Penso anche ai fan che non sono ancora nati, o a quelli che sono come me quando avevo quattordici anni e ho scoperto Howard Hawks. Quando scopri un regista del genere, vuoi vedere tutti i film che ha girato, ma hai anche l’ansia che possa deluderti”. Da Perché è divertente non per nulla emerge un rapporto articolato con i critici di professione, con Tarantino che spazia da un chiacchiericcio espansivo sui suoi film e autori preferiti a chiare prese di posizioni sull’originalità della sua posizione registica: a Ryan Gilbey, che voleva vedere a tutti i costi un omaggio a The Searchers (Sentieri selvaggi, 1956) nell’inquadratura all’inizio di Inglourious Basterds (Bastardi senza gloria, 2009) con Shosanna che fugge, Tarantino risponde semplicemente di essere sicuro che “se la madre di John Ford non avesse mai conosciuto il padre di John Ford, avrei comunque capito che girare attraverso una porta come quella mi avrebbe regalato una bella inquadratura”.

Quentin Tarantino compone deliberatamente opere polistratificate, che possono soddisfare tanto i desideri del movie-goer più semplice e appassionato a quelli dei cinefili più colti e severi, ma il regista nelle interviste rimarca a più riprese la spontaneità della sua ispirazione: “finché funziona, è intrinseca nel personaggio e non spezza la trama, amo la critica sub-testuale. Quando scrivo, non sono molto analitico. Non mi occupo mai del sottotesto. Mi limito allo scenario. Tengo tutto in superficie. E una delle cose divertenti è che quando ho finito, come adesso, per esempio, posso diventare analitico sul processo. Posso guardare il film e vedere tutte le connessioni e tutto ciò che c’è sotto la superficie. Ma non voglio occuparmi di quello che c’è sotto, mentre scrivo o realizzo il film”.

Interessante l’approfondimento con Ryan Gilbey sul personaggio di Landa in Inglourious Basterds: “addentrandosi nella visione, ci si rende conto che Landa non è un membro convinto del partito. Sta facendo il suo lavoro. Non è un esponente rabbioso del Terzo Reich. Il nazismo per lui non è una religione: è un uomo molto concreto” e “carismatico in modo quietante. Non che si faccia il tifo per lui. Ma si presenta come un detective talmente bravo che non vuoi che ti deluda. Vuoi che sia bravo come pensi che sia”. Affascinante anche l’aneddoto sui primi giorni di riprese di Django Unchained (2012), quando Jamie Fox “essendo un maschio nero e forte”, manteneva un atteggiamento arrogante nei confronti del personaggio di Schultz, lo schiavista interpretato da Waltz, salvo poi doverlo correggere per fargli mostrare i segni di una vita in schiavitù.

Perché è divertente rappresenta un ottimo vademecum al cinema e all’immaginario tarantiniani, e il suo unico limite è quello di non coprire i due film più recenti e per certi versi più interessanti, The Hateful Eight (2015) e Once Upon a Time... in Hollywood (C’era una volta a Hollywood, 2019). Nondimeno la lettura del volume consente di addentrarsi nei contorti meandri che compongono la visione del cinema e della cultura occidentale di Tarantino, trovando continue sorprese nel suo logorroico tergiversare. Mentre cresce l’attesa del suo decimo film, dopo l’annuncio della mancata realizzazione di The Movie Critic, Tarantino resta nella memoria dei critici e degli spettatori come uno dei pochi cineasti veramente trasversali, popolari e al tempo stesso high-culture.

Reservoir Dogs scioccò il Sundance Film Festival del 1992 per l’originalità della sua struttura e la caratterizzazione di una serie di personaggi al limite del credibile, quasi che fossero le repliche di protagonisti di altri film di genere tutt’a un tratto calati in un nuovo campo da gioco. Al giornalista Peter Brunette Tarantino spiegò che ne Le iene “volevo spezzare la narrazione, non per fare il sapientone, lo sbruffone, ma per rendere il film drammaticamente migliore. Se ci fossi riuscito, avrei ottenuto una certa risonanza, quindi mi piaceva l’idea di dare le risposte prima di esaminare le domande”. Il risultato di questo esercizio di stile è un heist movie costruito tutto su una forma di cinosi narrativa, sull’allusione a una serie di eventi-chiave e di segreti che per il pubblico non vengono mai alla luce, ripagandolo tuttavia con una serie di momenti quasi slapstick e colpi di scena che restano impressi nella mente.

“Penso che i film dovrebbero beneficiare della libertà del romanzo”, proseguiva Tarantino. “È così che lavoro: lascio che i personaggi improvvisino, divento una specie di stenografo di tribunale. Ho la possibilità di essere attore e regista al tempo stesso”. Già al momento dell’uscita nelle sale americane de Le iene iniziò a palesarsi quella che sarebbe diventata la vexata quaestio dell’uso della violenza nei suoi film, ma alle critiche su quest’aspetto Tarantino si limitava già allora a dire che “io rispondo che amo la violenza nei film, e se non ti piace è come se non ti piacesse il tip tap, o la farsa, ma questo non significa che non debba essere mostrata”. Nonostante l’apparente istintività e sfrenatezza della regia di Tarantino, nelle sue opere c’è in realtà un gioco molto calibrato di visione e nascondimento, di narrazione e rimozione: “ciò che non si vede nell’inquadratura è importante quanto ciò che si vede. Alcuni registi vogliono mostrare tutto. Non vogliono che lo spettatore abbia dubbi di alcun genere, ma io no. Ho visto così tanti film che mi piace giocare con certi elementi”, disse in un’intervista a Graham Fuller.